> ## Content Index > Fetch the complete content index at: https://theparnassian.com/fr/llms.txt > Use this file to discover other available public pages before exploring further. # À la Tretiakov, quai Kadachevskaïa, une touchante exposition, "Fleurs. Symbole de la beauté", se tient sans trop de bruit - URL: https://theparnassian.com/fr/v-tretiakovke-na-kadashiovskoi-naberezhnoi-bez-osobogo-shuma-prokhodit-trogatelnaia-vystavka-tsvety/ - Published: 2026-08-10T12:03:56.000Z - Updated: 2026-10-01T05:47:16.000Z - Author: Alexandr Radayev - Tags: À venir, Art, Moscou, Musées À la galerie Tretiakov du quai Kadachevskaïa, une touchante exposition, « Fleurs. Symbole de la beauté », se tient sans grand bruit et se consacre tout entière à la présence des fleurs dans l'art russe. Elle s'ouvre sur le « Bouquet de fleurs. Phlox » de Kramskoï, daté de 1884, unique nature morte purement florale de son œuvre. À côté, des natures mortes peu connues de Levitan et un « Bouquet de fleurs de jardin » de Sofia Kouvchinnikova, jamais exposé jusqu'ici. Celle-là même dont Tchekhov tira « La Cigale », qui le brouilla avec un Levitan offensé. L'exposition est bâtie sur le principe de la fleur, et chaque pétale offre une nouvelle hypostase des fleurs dans la peinture russe : de l'étude des Ambulants, où la fleur n'est encore qu'un détail, à la non-figuration, où le bouquet devient le terrain d'une expérience sur la couleur et la touche, des fleurs dans la nature morte, des fleurs dans le paysage, le portrait aux fleurs, les fleurs dans l'intérieur, les fleurs dans la porcelaine et le verre du modern style, et enfin les fleurs sur les photographies de la famille Tretiakov. On a réuni environ 150 œuvres, qui développent assez pleinement le sujet dès le départ, et pas seulement grâce à des noms et à des toiles largement connus, mais aussi à des pièces qui sortent rarement des réserves, par exemple les nombreux intérieurs de Joukovski, presque en série, et les paysages de Krachkovski. Krachkovski, académiste d'origine polonaise, élève du baron Klodt, se mit dans les années 1890 à fréquenter assidûment la Crimée et à peindre Livadia, Massandra et Oréanda sur commande de la cour impériale. À sa rétrospective de 1902 dans les salles de la Société d'encouragement des arts, Nicolas II acheta d'un coup plusieurs toiles, qui rejoignirent les collections du Musée de l'empereur Alexandre III. Un artiste qui n'avait rien d'un génie se retrouva en un instant au sommet d'un succès commercial dont bien des contemporains plus doués n'osaient même pas rêver. À Korovine, on a attribué un « Nocturne », à Gontcharova, tout un mur. Une partie des œuvres est regroupée non par auteur mais par couleur : dans la salle de la nature morte, le jaune domine, avec du bleu et du violet. Le « Valet de carreau » est représenté par des chardons, des agaves et des cactus, en apparence peu esthétiques. Parmi ce devant quoi l'on passe aisément : une nature morte aux chrysanthèmes de Grabar, d'une technicité incroyable, des esquisses de tissus de Gontcharova pour Lamanova, Elena Bebutova, un Vladimir Iakovlev solitaire avec l'œuvre en réponse d'Irina Zatouloskaïa, les « Asters » de Lentoulov, les « Glycines » de Sarian, Oudaltsov, Osmerkine, Issoupov avec des pièces du musée de Viatka. Conservateurs et commissaires ont composé, au sens propre, une chrestomathie de noms importants : Sapounov, Soudeïkine, Golovine, Polenova, Iakountchikova-Weber. De simples chrysanthèmes, à première vue, mais c'est précisément cette toile d'Igor Grabar que l'on pourrait placer à l'article « divisionnisme » d'un dictionnaire, cette méthode scientifique de séparation des couleurs. La nature morte est exécutée à la détrempe et au pastel, en touches en relief de facture divisionniste : de près, la surface se disperse en reflets, de loin, elle se rassemble en nacre, tandis que les fleurs jaunes, dans leurs reflets bleutés, tirent sur le vert. Le collectionneur Vladimir Guirchman l'a payée plus cher que Grabar ne toucha jamais pour aucune de ses œuvres jusque-là. Ou encore l'autoportrait de Gontcharova aux lis, peint en 1907-1908, alors que l'artiste venait de passer du département de sculpture à celui de peinture, sur les instances de Larionov qui l'exhortait à abandonner la forme pour la couleur. Cette œuvre détruit le stéréotype de salon de la féminité gracieuse et transforme l'artiste de tendre muse en créatrice laborieuse, et les fragiles lis en symbole de l'art d'avant-garde rebelle. L'exposition n'est pas tapageuse, mais riche en impressions et, surtout, en rencontres et en découvertes ; elle est composée avec beaucoup de réflexion et de rigueur ontologique, bien qu'à vrai dire elle n'exprime pas d'idées particulières, mais raconte de très belle façon son sujet, la place des fleurs dans l'art. Jusqu'au 18 octobre. ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21149@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21150@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21151@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21152@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21153@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21154@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21155@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21156@10-08-2026_15-03-56.jpg) ![](https://theparnassian.com/content/images/2026/09/photo_21157@10-08-2026_15-03-56.jpg)